Византийское искусство (4-15 века н. э.) в целом характеризуется отходом от натурализма классической традиции в сторону более абстрактного и универсального, существует определенное предпочтение двумерным изображениям, и преобладают те произведения искусства, которые содержат религиозное послание. Однако к 12 веку н. э. византийское искусство стало гораздо более выразительным и творческим, и хотя многие предметы бесконечно перерабатываются, на протяжении всего периода существуют различия в деталях. Хотя верно, что подавляющее большинство сохранившихся произведений искусства имеют религиозную тематику, это может быть результатом отбора в последующие века, поскольку в византийских источниках имеется множество ссылок на светское искусство, а языческие сюжеты с классической иконографией продолжали создаваться в 10 веке н. э. и далее. Используя яркие камни, золотую мозаику, живые настенные росписи, искусно вырезанную слоновую кость и драгоценные металлы в целом, византийские художники украшали все, от зданий до книг, и их величайшим и самым долговечным наследием, несомненно, являются иконы, которые продолжают украшать христианские церкви по всему миру.
Влияет
Поскольку Византия была восточной ветвью Римской империи на ее ранней стадии, неудивительно, что сильное римское, или, точнее, классическое влияние преобладает в византийской продукции. Римская традиция коллекционирования, оценки и частной демонстрации античного искусства также продолжалась среди более богатых классов Византии. Византийское искусство является одновременно неизменным и эволюционным, такие темы, как классические традиции и традиционные религиозные сцены, перерабатывались столетие за столетием, но в то же время более пристальное изучение отдельных работ раскрывает детали постоянно меняющегося подхода к искусству. Как и в современном кинематографе, который регулярно переделывает знакомую историю с теми же декорациями и теми же персонажами, византийские художники работали в рамках практической конечной функции своей работы, чтобы сделать выбор в отношении того, как лучше всего представить тему, что добавить и опустить из тех новых влияний, которые появились, и, к концу периода, персонализировать свою работу, как никогда раньше.
Возможно, важно помнить, что Византийская империя во многих аспектах была гораздо более греческой, чем Римская, и эллинистическое искусство продолжало оказывать влияние, особенно идея натурализма. В то же время географическая протяженность империи также имела свои последствия для искусства. В Александрии более жесткий (и для некоторых менее элегантный) коптский стиль появился в 6 веке н. э., заменив преобладающий эллинистический стиль. Полутоновых цветов избегали, предпочитая более яркие, в то время как фигуры более приземистые и менее реалистичные. Другой областью художественного влияния была Антиохия, где был принят «ориентализирующий» стиль, то есть ассимиляция мотивов персидского и среднеазиатского искусства, таких как ленты, Древо жизни, головы барана и двукрылые существа, а также портреты в полный рост, которые появляются в искусстве Сирии. В свою очередь, искусство этих великих городов повлияло бы на то, что производилось в Константинополе, который стал центром художественной индустрии, распространявшей свои произведения, методы и идеи по всей Империи.
Византийская империя непрерывно расширялась и сокращалась на протяжении веков, и эта география влияла на искусство, поскольку со временем новые идеи становились все более доступными. Идеи и предметы искусства постоянно распространялись между культурами посредством королевских подарков коллегам-правителям, дипломатических посольств, религиозных миссий и богатых путешественников, покупающих сувениры, не говоря уже о движении самих художников. Например, с начала 13 века н. э. Византия находилась под влиянием гораздо более тесных контактов с Западной Европой, как это было, когда византийцы больше присутствовали в Италии в 9 веке н. э. Влияние, конечно, пошло и в другом направлении, так что византийские художественные идеи распространились, особенно за пределы таких аванпостов, как Сицилия и Крит, откуда византийская иконография оказала влияние на итальянское искусство эпохи Возрождения. Так же и на северо-востоке византийское искусство повлияло на такие места, как Армения, Грузия и Россия. Наконец, византийское искусство все еще очень живо как сильная традиция в православном искусстве.
Художники
В Византийской империи практически не было различия между художником и ремесленником, оба создавали красивые предметы для определенной цели, будь то шкатулка для хранения драгоценностей или икона, чтобы пробудить чувства благочестия и почтения. Некоторые названия должностей, которые мы знаем, таковы зографос и историографос (художник), мейстор (мастер) и ктисты (создатель). Кроме того, многие художники, особенно те, кто создавал иллюстрированные рукописи, были священниками или монахами. Нет никаких доказательств того, что художники не были женщинами, хотя, скорее всего, они специализировались на текстиле и набивных шелках. Скульпторы, мастера по изготовлению слоновой кости и эмали были специалистами, прошедшими многолетнюю подготовку, но в других видах искусства один и тот же художник обычно создавал рукописи, иконы, мозаики и настенные росписи.
Художник редко подписывал свои работы до 13 века н. э., и это может отражать отсутствие социального статуса у художника, или то, что работы создавались командами художников, или то, что такая персонализация произведения искусства считалась отвлекающей от его цели, особенно в религиозном искусстве. Художников поддерживали меценаты, заказывавшие их работы, в частности императоры и монастыри, а также многие частные лица, в том числе женщины, особенно вдовы.
Фрески и Картины
Византийское христианское искусство имело тройную цель: украсить здание, обучить неграмотных вопросам, жизненно важным для благополучия их души, и убедить верующих в том, что они находятся на правильном пути к спасению. По этой причине интерьеры византийских церквей были покрыты росписями и мозаиками. Большое здание христианской базилики с высокими потолками и длинными боковыми стенами служило идеальным средством для передачи визуальных сообщений прихожанам, но даже самые скромные святилища часто украшались обилием фресок. Темы были обязательно ограничены — эти ключевые события и фигуры Библии — и даже их расположение стало условным. Изображение Иисуса Христа обычно занимало центральный купол, на стволе купола были пророки, евангелисты появлялись на стыках между сводом и куполом, в святилище находится Дева с младенцем, а на стенах изображены сцены из Нового Завета и жизни святых.
Помимо стен и куполов, небольшие расписные деревянные панели были еще одним популярным средством, особенно в период поздней империи. Литературные источники описывают небольшие портативные портретные картины, которые были заказаны широким кругом людей — от епископов до актрис. Картины для рукописей также были ценным средством для развития навыков живописи, и они охватывают как религиозные темы, так и исторические события, такие как коронации и знаменитые сражения.
Прекрасными примерами более выразительного и гуманистического стиля, распространенного с 12 века н. э., являются настенные росписи 1164 года н. э. в Нерези, Македония. Показывая сцены с креста, они передают отчаяние главных героев. Начиная с 13 века н. э., люди окрашены индивидуальностью, и здесь больше внимания уделяется деталям. В соборе Святой Софии в Трабзоне (Трапезунд) есть целые галереи таких картин, датированных примерно 1260 годом н. э., где сюжеты, похоже, были вдохновлены реальными моделями. Существует также более смелое использование цвета для эффекта. Хорошим примером является использование блюза в «Преображении», рукописной картине в богословских трудах Иоанна VI Кантакузина, написанной в 1370-1375 годах н. э. и ныне находящейся в Национальной библиотеке Парижа. В более широком масштабе это сочетание ярких цветов и мелких деталей лучше всего видно на настенных росписях различных византийских церквей Мистры в Греции.
Значки
Иконы — изображения святых фигур — были созданы для почитания византийскими христианами с 3 века н. э. Их чаще всего можно увидеть в мозаиках, настенных росписях и в виде небольших произведений искусства, выполненных из дерева, металла, драгоценных камней, эмали или слоновой кости. Наиболее распространенной формой были небольшие окрашенные деревянные панели, которые можно было носить или вешать на стены. Такие панели были изготовлены в технике энкаустики, где цветные пигменты смешивались с воском и выжигались в дереве в качестве инкрустации.
Объект на значках обычно изображается в полный рост, либо показана полная фигура, либо только голова и плечи. Они смотрят прямо на зрителя, поскольку предназначены для облегчения общения с божественным. Фигуры часто окружены нимбом или нимбом, чтобы подчеркнуть их святость. Реже иконы состоят из повествовательной сцены. Художественный подход к иконам был удивительно стабильным на протяжении веков, но это, возможно, не должно удивлять, поскольку сами их сюжеты должны были представлять вневременное качество и внушать почтение поколениям верующих — люди и мода могли меняться, но послание не менялось.
Некоторые из старейших сохранившихся византийских икон находятся в монастыре Святой Екатерины на горе Синай. Датируемый 6 веком нашей эры и спасенный от волны иконоборчества, которая распространилась по Византийской империи в 8-9 веках нашей эры, лучший показ Христа Пантократора и Девы Марии с Младенцем. Изображение Пантократора, на котором Христос стоит в классической позе в полный рост, держа в левой руке Евангелие, а правой совершая благословение, вероятно, было подарено Юстинианом I (527-565 гг.н. э.) в ознаменование основания монастыря.
К 12 веку н. э. художники создавали гораздо более интимные портреты с большей выразительностью и индивидуальностью. Икона, известная как Владимирская Богородица, ныне находящаяся в Третьяковской галерее в Москве, была написана в Константинополе около 1125 года н. э. и является прекрасным примером этого нового стиля с нежным изображением ребенка, прижимающегося щекой к матери.
Мозаики
Большинство сохранившихся настенных и потолочных мозаик изображают религиозные сюжеты и встречаются во многих византийских церквях. Одной из их особенностей является использование золотых плиток для создания мерцающего фона для фигур Христа, Девы Марии и святых. Как и в случае с иконами и картинами, портретная живопись следует определенным условностям, таким как полный вид спереди, ореол и общее отсутствие предполагаемого движения. Собор Святой Софии в Константинополе (Стамбул) содержит самые знаменитые образцы таких мозаик, в то время как одним из самых необычно ярких портретов в среде является портрет Иисуса Христа в куполе Дафни в Греции. Изготовленная около 1100 года н. э., она изображает Христа с довольно свирепым выражением, которое контрастирует с обычным невыразительным изображением.
Мозаики Большого Константинопольского дворца, датируемые 6 веком н. э., представляют собой интересное сочетание сцен из повседневной жизни (особенно охоты) с языческими богами и мифическими существами, еще раз подчеркивая, что языческие темы не были полностью заменены христианскими в византийском искусстве. Еще одной светской темой для художников-мозаичников были императоры и их супруги, хотя их часто изображают в роли главы Восточной церкви. Некоторые из самых знаменитых мозаик находятся в церкви Сан-Витале в Равенне, Италия, которые датируются 540-ми годами нашей эры. На двух сверкающих панелях изображены император Юстиниан I и его супруга императрица Феодора со своей свитой.
Византийские мозаичные художники были настолько известны своими работами, что арабский халифат Омейядов (661-750 гг.н. э.) нанял их для украшения Купола Скалы в Иерусалиме и Великой мечети Дамаска. Наконец, как и в живописи, в 13 и 14 веках н. э. сюжеты мозаик становятся более естественными, выразительными и индивидуальными. Прекрасные примеры этого стиля можно увидеть в мозаиках церкви Спасителя, Хора, Константинополь.
Скульптура
Реалистичная портретная скульптура была характерна для позднего римского искусства, и эта тенденция продолжается в ранней Византии. Например, на Константинопольском ипподроме были установлены бронзовые и мраморные скульптуры императоров и популярных колесничих. Слоновая кость также использовалась для фигурной скульптуры, хотя сохранился только один отдельно стоящий образец, Дева Мария с Младенцем, который сейчас находится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне. Саркофаги из мрамора и известняка были еще одним выходом для ремесла скульптора. Однако после 6 века н. э. трехмерные портреты стали редкостью даже для императоров, а скульптура и близко не достигла той популярности, которую имела в древности.
Второстепенные искусства
Византийские художники были искусными мастерами по металлу, в то время как эмаль была еще одной областью высоких технических знаний. Превосходным примером использования обоих навыков в сочетании является чаша 1070 года н. э. в Сокровищнице Святого Марка, Венеция. Изготовленная из полудрагоценного камня и золотой ножки, чашка украшена эмалевыми бляшками. Перегородчатые эмали (предметы с множеством отделанных металлом отделений, заполненных стекловидной эмалью) были чрезвычайно популярны — техника, вероятно, заимствованная из Италии в 9 веке н. э. Серебряные тарелки с тиснеными христианскими изображениями производились в большом количестве и использовались в качестве домашнего обеденного сервиза. Окончательное использование металлов — чеканка монет, которая была средством для императорской портретной живописи и, начиная с 8 века н. э., изображений Иисуса Христа.
Библии были сделаны с красиво написанным текстом золотыми и серебряными чернилами на страницах, окрашенных в тирский пурпур и прекрасно иллюстрированных. Одним из лучших сохранившихся примеров иллюстрированной рукописи является Проповеди святого Григория Назианзинского , произведено в 867-886 годах н. э. и в настоящее время находится в Национальной библиотеке Парижа. Книгам, как правило, часто дарили изысканные обложки с использованием золота, серебра, полудрагоценных камней и эмалей. Реликварии — сосуды для святых реликвий — были еще одним направлением декоративно-прикладного искусства.
Портативные предметы очень часто украшались христианскими изображениями, и к ним относятся такие предметы повседневного обихода, как шкатулки для драгоценностей, слоновая кость, ювелирные изделия и жетоны паломников. Предметы из слоновой кости, такие как панели и шкатулки, были особой специальностью Александрии. Панели использовались для украшения почти всего, но особенно мебели. Одним из самых знаменитых примеров является трон Максимиана, архиепископа Равенны (545-553 гг.н. э.), который покрыт панелями из слоновой кости, на которых изображены сцены из жизни Иосифа, Иисуса Христа и евангелистов. Текстиль — из шерсти, льна, хлопка и шелка — был еще одним средством художественного выражения, где рисунки вплетались в ткань или печатались путем погружения ткани в красители, при этом некоторые части ткани покрывались резистором для создания дизайна.
Наконец, византийская керамика в значительной степени ускользнула от общественного внимания, но гончары были выполнены в таких техниках, как полихромия (цветные сцены, нарисованные на белом фоне, а затем покрытые прозрачной глазурью) — техника, переданная в Италию в 9 веке н. э. Рисунки иногда вырезались и покрывались цветной глазурью, как, например, в 13-14 веке н. э. на изящной пластине с изображением двух голубей, которая сейчас находится в коллекции Дэвида Тэлбота Райса в Эдинбургском университете. Распространенные формы включали тарелки, блюда, миски и чашки с одной ручкой. Плитки часто были расписаны изображениями святых фигур и императоров, иногда несколько плиток составляли составное изображение.
https://www.worldhistory.org/Byzantine_Art/
Загрузка...
