Римляне управляли такой огромной империей в течение столь длительного периода, что краткое описание искусства, созданного в то время, может быть лишь кратким и выборочным. Возможно, однако, величайшими отличительными чертами римского искусства являются само его разнообразие, охват художественных тенденций прошлого и настоящего со всех уголков империи и продвижение искусства до такой степени, что оно стало более широко производимым и более доступным, чем когда-либо прежде. В какой другой древней цивилизации бывший раб мог бы заказать свой бюст-портрет? Римские художники копировали, имитировали и внедряли инновации, чтобы создавать произведения искусства в больших масштабах, иногда снижая качество, но в других случаях намного превосходя мастерство своих предшественников. Любой материал был честной игрой, которую можно было превратить в предметы искусства. Запись исторических событий без нагромождения символики и мифологических метафор стала навязчивой идеей. Увековечение личности частного мецената в искусстве было обычным поручением художника. Живопись, направленная на точное запечатление пейзажей, городских пейзажей и более тривиальных предметов повседневной жизни. Реализм стал идеалом, а культивирование знаний и понимания самого искусства стало достойной целью. Это достижения римского искусства.
Искусство для всех: Вклад Рима
Римское искусство пережило своего рода кризис репутации с тех пор, как заново открыло и оценило древнегреческое искусство, начиная с 17 века н. э. и далее. Когда искусствоведы также поняли, что многие из лучших римских произведений на самом деле были копиями или, по крайней мере, вдохновлены более ранними и часто утраченными греческими оригиналами, оценка римского искусства, которое процветало вместе со всем римским в средневековый и ренессансный периоды, начала уменьшаться. Еще одна проблема римского искусства заключается в самом определении того, чем оно является на самом деле. В отличие от греческого искусства, обширная география Римской империи привела к очень разнообразным подходам к искусству в зависимости от местоположения. Хотя Рим долгое время оставался центром внимания, существовало несколько самостоятельных важных центров художественного производства, которые следовали своим собственным тенденциям и вкусам, особенно в Александрии, Антиохии и Афинах. Как следствие, некоторые критики даже утверждали, что не существует такого понятия, как «римское» искусство.
В более поздние времена более сбалансированный взгляд на римское искусство и более широкий взгляд, обеспеченный успехами археологии, обеспечили переоценку искусства римлян и более широкое признание его вклада в западное искусство в целом. Даже те, кто придерживается мнения, что классическое греческое искусство было вершиной художественных устремлений на западе или что римляне просто объединили лучшее из греческого и этрусского искусства, должны были бы признать, что римское искусство — ничто иное, как эклектика. Унаследовав эллинистический мир, созданный завоеваниями Александра Македонского, с империей, охватывающей чрезвычайно разнообразный спектр культур и народов, их собственным пониманием прошлого и четкими идеями о том, как лучше всего увековечить события и людей, римляне создавали искусство в самых разнообразных формах. Вырезание печатей, ювелирные изделия, стеклянная посуда, мозаика, керамика, фрески, статуи, монументальная архитектура и даже эпиграфика и монеты — все это использовалось для украшения римского мира, а также для передачи смысла от военной доблести до моды в эстетике.
Произведения искусства были похищены из завоеванных городов и возвращены для оценки публики, в римских городах работали иностранные художники, по всей империи создавались художественные школы, проводились технические разработки, и повсюду возникали мастерские. Таков был спрос на произведения искусства, производственные линии стандартизированных и массовых предметов наполнили империю искусством. И вот еще один фактор в пользу Рима — огромное количество сохранившихся произведений искусства. Такие места, как Помпеи, в частности, дают редкое представление о том, как римские произведения искусства использовались и сочетались, чтобы обогатить повседневную жизнь граждан. Само искусство стало более персонализированным с большим увеличением числа частных меценатов в отличие от государственных спонсоров. Это видно не в более ясной форме, чем создание реалистичных портретов частных лиц в живописи и скульптуре. Как никакая другая цивилизация до нее, искусство стало доступным не только для самых богатых, но и для низших средних классов.
Ключевые формы искусства
Римская скульптура сочетала идеализированное совершенство ранней классической греческой скульптуры с большим стремлением к реализму и смешивала стили, преобладающие в восточном искусстве. Римские скульпторы также, с их популярными копиями более ранних греческих шедевров, сохранили для потомков бесценные произведения, которые в противном случае были бы полностью потеряны для мирового искусства.
Римляне больше всего ценили бронзу и мрамор за их лучшие работы. Однако, поскольку металл всегда пользовался большим спросом для повторного использования, большинство сохранившихся образцов римской скульптуры выполнены из мрамора. Римский вкус к греческой и эллинистической скульптуре означал, что, как только запасы оригинальных произведений были исчерпаны, скульпторам приходилось делать копии, и они могли быть разного качества в зависимости от навыков скульптора. Действительно, в Афинах и самом Риме существовала школа, специально предназначенная для копирования знаменитых греческих оригиналов. Римские скульпторы также создавали миниатюрные копии греческих оригиналов, часто в бронзе, которые собирали любители искусства и выставляли в домашних шкафах.
Римская скульптура, однако, начала искать новые пути художественного выражения, отходя от своих этрусских и греческих корней, и к середине 1 века н. э. римские художники стремились запечатлеть и создать оптические эффекты света и тени для большего реализма. Реализм в римской портретной скульптуре и погребальном искусстве вполне мог развиться из традиции хранения реалистичных восковых погребальных масок умерших членов семьи в доме предков. Перенесенные в камень, мы получаем множество примеров частных портретных бюстов, которые иногда представляют объект как старый, морщинистый, покрытый шрамами или дряблый; короче говоря, эти портреты говорят правду. К поздней античности наметился даже переход к импрессионизму с использованием приемов света и абстрактных форм. Скульптура также стала более монументальной благодаря массивным, увеличенным в размерах статуям императоров, богов и героев, таким как огромная бронзовая статуя Марка Аврелия верхом на лошади, которая сейчас находится в Капитолийском музее в Риме. К концу империи скульптуре фигур, как правило, не хватало пропорций, особенно увеличивались головы, а фигуры чаще всего представлялись более плоскими и спереди, демонстрируя влияние восточного искусства.
Скульптура на римских зданиях и алтарях могла быть просто декоративной или иметь более политическую цель. Например, на триумфальных арках архитектурная скульптура подробно запечатлела ключевые события кампании, которые усилили сообщение о том, что император был победоносным и цивилизующим агентом во всем известном мире. Типичным примером является Арка Константина в Риме (около 315 г. н. э.), которая также показывает побежденных и порабощенных «варваров», чтобы донести до них послание о превосходстве Рима. Такое изображение реальных людей и конкретных исторических личностей в архитектурной скульптуре резко контрастирует с греческой скульптурой, где великие военные победы обычно представлялись в метафоре, используя фигуры из греческой мифологии, такие как амазонки и кентавры, такие как на Парфеноне. Алтари также можно использовать для представления важных личностей в выгодном свете. Самым известным алтарем из всех является Ара Пацис Августа (закончен в 9 году до н. э.) в Риме, огромный каменный блок, на котором изображены зрители и участники религиозной процессии. Кажется, что фигуры были запечатлены в один момент, как на фотографии, ребенок натягивает тогу, сестра Августа велит двум болтунам замолчать и так далее.
Римские настенные росписи
Интерьеры римских зданий всех видов очень часто роскошно украшались с использованием смелых цветов и рисунков. Настенные росписи, фрески и использование штукатурки для создания рельефных эффектов — все это широко использовалось в 1 веке до н. э. в общественных зданиях, частных домах, храмах, гробницах и даже военных сооружениях по всему римскому миру. Дизайн может варьироваться от сложных реалистичных деталей до очень импрессионистических изображений, которые часто покрывали все доступное пространство на стенах, включая потолок.
Римские художники по стенам (или, возможно, их клиенты) предпочитали естественные земные цвета, такие как более темные оттенки красного, желтого и коричневого. Синие и черные пигменты также были популярны для более простых дизайнов, но данные из магазина красок в Помпеях показывают, что был доступен широкий спектр цветовых оттенков. Темы могут включать портреты, сцены из мифологии, архитектуры с использованием тромп — я» оэйл , флора, фауна и даже целые сады, пейзажи и городские пейзажи для создания захватывающих панорам на 360°, которые переносили зрителя из тесной комнаты в безграничный мир воображения художника. Выдающимся примером является Дом Ливии 1 века до н. э. на Палатинском холме в Риме, который включает в себя 360-градусную панораму сада, выполненного в импрессионистском стиле. Сцена проходит по одной комнате и полностью игнорирует углы. Еще одним великолепным примером является частная вилла 1 века н. э., известная как Дом Веттий в Помпеях.
По мере развития формы искусства все более распространенными становились крупномасштабные одиночные сцены, в которых были представлены фигуры большего размера, чем в жизни. К 3 веку н. э. одним из лучших источников настенной живописи являются христианские катакомбы, где были написаны сцены как из Ветхого, так и из Нового Завета.
Римские мозаики были общей чертой частных домов и общественных зданий по всей империи от Африки до Антиохии. Мозаики, иначе известные как мозаичный опус , были сделаны из маленьких черных, белых и цветных квадратов мрамора, плитки, стекла, керамики, камня или ракушек. Как правило, размер каждой отдельной детали составляет от 0,5 до 1,5 см, но мелкие детали, особенно на центральной панели (эмблемы ) часто визуализировались с использованием еще более мелких фрагментов размером всего 1 мм. В дизайне использовался широкий спектр цветов с цветной затиркой в соответствии с окружающими тессеры .Этот особый тип мозаики, в котором использовались сложные цвета и оттенки для создания эффекта, похожего на картину, известен как опус вермикулат, и одним из его величайших мастеров был Сорус из Пергама (150-100 до н. э.), чьи работы, особенно его мозаика «Пьющие голуби», были скопированы в течение многих столетий после этого.
Популярные сюжеты включали сцены из мифологии, состязания гладиаторов, спорт, сельское хозяйство, охоту, еду, флору и фауну, а иногда они даже запечатлевали самих римлян на подробных и реалистичных портретах. Одной из самых известных римских мозаик сегодня является мозаика из Дома Фавна в Помпеях, на которой изображен Александр Македонский верхом на Буцефале и лицом к лицу с Дарием III на его боевой колеснице. Мозаичными узорами были украшены не только полы, но и своды, колонны и фонтаны.
Художники римской мозаики разработали свои собственные стили, и по всей империи были сформированы производственные школы, которые культивировали свои собственные особые предпочтения — крупномасштабные сцены охоты и попытки перспективы в африканских провинциях, импрессионистическую растительность и наблюдателя на переднем плане в мозаиках Антиохии или европейское предпочтение фигурных панелей, например. Доминирующий (но не эксклюзивный) римский стиль в самой Италии использовал только черное и белое тессеры , вкус, который сохранился до 3 века н. э. и чаще всего использовался для изображения морских мотивов, особенно при использовании для римских бань. Со временем мозаики становились все более реалистичными в изображении человеческих фигур, а точные и подробные портреты становились все более распространенными. Между тем, в Восточной части империи и особенно в Антиохии в 4 веке н. э. распространились мозаики, в которых использовались двумерные и повторяющиеся мотивы для создания эффекта «ковра», стиля, который оказал сильное влияние на более поздние христианские церкви и еврейские синагоги.
Второстепенные искусства
Мелкие искусства Древнего Рима были широки и разнообразны, во многих случаях иллюстрируя любовь римлян к тонко обработанным драгоценным материалам с деталями и часто миниатюрными рисунками. Они включали ювелирные изделия всех видов, небольшие золотые бюсты с портретами, столовое серебро, такие как зеркала, чашки, тарелки, статуэтки и т. Д., огранку и гравировку драгоценных камней, камеи из сардоникса, печати, сосуды и украшения из граненого стекла, инкрустированные, позолоченные или эмалированные бронзовые сосуды, резные и гравированные изделия из слоновой кости, изящно украшенную керамику, таблички в дополнение к мебели, элементы военной формы и оружия, медальоны, монеты, терракотовые масляные лампы, вышитая пурпурная ткань Тира и иллюстрированные книги. Предметы декора включали императорскую семью, частных лиц, мифологию, природу и такие стандартные мотивы, как геометрические фигуры, листья аканта, виноградные лозы, меандры, розетки и свастики. Работы часто подписываются мастером, который может быть иностранцем или римлянином.
Изделия из серебра и резные драгоценные камни особенно ценились и часто собирались теми римлянами, которые могли себе это позволить. Хранящиеся в доме, они, без сомнения, были бы показаны восхищенным посетителям и использованы в качестве предметов для разговоров. Римская любовь к замысловато детализированной и крошечной резьбе на драгоценных камнях противоречит традиционному мнению о том, что римское искусство было занято всем, что было массивным и неэлегантно громоздким. Кольца с печатками, символ семейной гордости и важный метод подписи наряду с камнями-печатями, были, как и драгоценные камни, вырезаны с помощью небольших сверл с алмазным наконечником или шлифовального круга, которые вращались с помощью горизонтального лука на валу. Сердолик и оникс, по-видимому, были предпочтительным материалом для более функциональных предметов, но сапфиры и аквамарин относятся к числу наиболее ценных драгоценных камней, которые римляне импортировали из таких отдаленных мест, как Индия.
Римские ювелиры были особенно искусны в своем ремесле. Учась у тех, кто работал раньше, они использовали весь спектр навыков металлообработки, таких как золочение, гранулирование, восстановление, инкрустация, ажурная работа и т.д. Кольца, ожерелья, браслеты, броши, пряжки, серьги, подвески, ножные браслеты и сетки для волос — все это было изготовлено из драгоценных металлов, часто с необычайной детализацией и мастерством. Со временем украшения, как правило, становились тяжелее и ярче и ни в коем случае не ограничивались женским платьем.
Наследие
Во многих отношениях римляне продолжили и увековечили искусство более ранних цивилизаций, но, как резюмирует здесь историк искусства Мартин Хениг, их художественные усилия привели к гораздо большему:
Римские достижения… полностью опровергают филистерскую репутацию, которую в народе приписывали Древнему Риму. Унаследовав греческие традиции, римские мастера продолжали внедрять инновации, и их работы никогда не перестают удивлять нас своей изысканностью форм. (Хениг, 165)
Вклад римского искусства в общее развитие западного искусства включает в себя стремление фиксировать реальные исторические события; настенные росписи в разных стилях, отражающие архитектуру того времени, природные виды или натюрморты, включая людей и обычные предметы, которые ранее редко изображались в искусстве; и реалистичные портреты скромных граждан. Ничто из этого не было совершенно новым в искусстве, но римляне, как и во многих других областях, расширили возможности идеи до ее пределов и за их пределы.
К концу римского периода развивались и будут развиваться новые идеи в искусстве, но римское искусство окажет длительное влияние на всех, кто последует за ним, не в последнюю очередь в средневековом христианском искусстве и рисунках на рукописях. Возможно, однако, их величайшим вкладом в мировое искусство было воспитание идеи о том, что ценить искусство ради него самого — это прекрасно и что обладание предметами искусства или даже коллекцией — это настоящий знак культурной утонченности. Кроме того, даже для тех, кто не мог позволить себе собственное искусство, существовало предоставление публичных художественных галерей. Искусство больше не было исключительной прерогативой богатых, искусство было для всех и каждого. Римляне, как никакая другая культура до них, были поборниками искусства как популярного, доступного и доступного средства выражения и передачи человеческого духа.
https://www.worldhistory.org/Roman_Art/
Загрузка...
