было художественным движением, зародившимся в Париже в последней четверти 19 века. Импрессионисты пытались запечатлеть мгновенное воздействие света на цвета и формы, часто рисуя на открытом воздухе. Они часто использовали яркие цвета с плотным нанесением, чтобы запечатлеть пейзажи и современную повседневную жизнь в кафе, театре и на бульварах Парижа.
Термин «импрессионизм»
Термин «импрессионизм» — полезный, но двусмысленный ярлык, который можно применить к группе художников 1860-х годов, занимавшихся живописью во Франции, особенно в Париже. Оно было придумано критиком Луи Леруа после просмотра работы Клода Моне (1840-1926) на Первой выставке импрессионистов в Париже в апреле 1874 года. Картина называлась Впечатление, восход солнца и показывает вид на промышленную гавань Гавра с ярким оранжевым солнцем, отражающимся в фиолетовых водах. Лерой и другие критики затем применили термин «импрессионизм» ко многим выставленным работам, которые имели расплывчатые формы и очень очевидные мазки.
Импрессионизм предполагал новый подход к используемым цветам и сюжетам.
Таким образом, вначале термин «импрессионизм» был уничижительным, используемым некоторыми консервативными искусствоведами для высмеивания этого нового художественного стиля. Однако вовлеченные художники (или большинство из них) вскоре приняли этот термин для описания самих себя и своих независимых выставок, даже если никто не мог прийти к единому мнению о том, что именно означает этот термин. «импрессионизм» остается полезным общим термином, и он, безусловно, отражает суть того, что пытались изобразить эти художники, а именно сиюминутные эффекты света и красок, а не точное, похожее на фотографическое воспроизведение реальности (фотографии стали популярны с 1820-х годов). Они пытались создать впечатление о реальности, или, точнее, свое индивидуальное впечатление о реальности, которую они видели.
«импрессионизм» как термин имеет свои ограничения. Когда именно, к какому стилю и к кому может быть применен этот термин, ученые-искусствоведы много спорят. Художники, которых называли импрессионистами, часто были совершенно разными. Например, такие художники, как Пьер-Огюст Ренуар (1841-1919), Эдгар Дега (1834-1917), Эдуард Мане (1832-83) и Гюстав Кайботт (1848-1896), часто интересовались формой и композицией, а также использованием менее заметных мазков кисти. Это контрастирует с туманными эффектами, создаваемыми такими художниками, как Моне, Альфред Сислей (1839-1899), Камиль Писсарро (1830-1903) и Поль Сезанн (1839-1906). Все художники умели рисовать в традиционной манере, о чем свидетельствуют их ранние работы, но некоторые определенно были более «импрессионистичными», чем другие.
Галерея изображений
50 Картин импрессионистов, которые навсегда изменили искусство
С 1860-х годов группа молодых художников-авангардистов в Париже создала совершенно новый стиль живописи, который стал известен как импрессионизм.
Чтобы еще больше усложнить использование термина, импрессионизм также подразумевал новый подход к используемым цветам и сюжетам. Часто используемые яркие палитры сильно отличались от традиционной живописи, но, с другой стороны, некоторые художники-импрессионисты намеренно использовали более приглушенные тона. Другой особенностью было использование более чистых цветов. Импрессионисты выделялись своим интересом к изображению повседневной жизни, представителей бедных классов и пейзажей, но, опять же, это было не всегда так. Наконец, важным элементом процесса создания картины для многих импрессионистов было написание предмета на открытом воздухе (на пленэре ), что стало возможным благодаря изобретению портативных жестяных тюбиков с завинчивающейся крышкой, содержащих готовую краску (раньше художникам приходилось растирать пигменты самостоятельно). Но, опять же, некоторые художники предпочитали продолжать работать только в своих студиях, и даже самые стойкие на пленэре сторонники все еще добавляли последние штрихи к своим полотнам в студии. Короче говоря, «импрессионизм» стал означать искусство, созданное с 1860-х до конца 19 века, которое бросало вызов условностям традиционного изобразительного искусства, вызовы, которые были сделаны разными художниками по-разному.
Стиль импрессионизма
Отдельные элементы импрессионистского стиля можно резюмировать следующим образом:
- Интерес к запечатлению мимолетных эффектов света и цвета на конкретном предмете.
- Более яркая и широкая цветовая гамма, чем использовалась ранее.
- Использование очевидных мазков кисти различной формы как эффекта самого по себе.
- Инновационное обрамление предмета, часто резко обрывающее фигуры и архитектуру.
- Инновационный подход к перспективе, часто намеренно искажающий реальность.
- Акцент на современной повседневной жизни и людях всех классов в противовес мифологическим и религиозным темам.
- Рисуйте на открытом воздухе, чтобы лучше запечатлеть быстро меняющиеся условия освещения.
Не все эти особенности могут присутствовать в одном и том же произведении искусства.
Как и любой другой художественный стиль, импрессионизм возник не на пустом месте. Художники-импрессионисты были вдохновлены некоторыми из своих предшественников в изобразительном искусстве, такими как Уильям Тернер (1775-1851) за его расплывчатые формы, Эжен Делакруа (1798-1863) за использование ярких цветов и Гюстав Курбе (1819-1877) за необычно густое нанесение краски.
Импрессионисты объединили эти различные идеи в единую технику, а также вдохновляли друг друга, поощряя друзей в группе пробовать разные методы, сюжеты и палитры. Нередки были периоды, когда два или более художника работали вместе, даже писали одну и ту же сцену в одно и то же время, как это несколько раз случалось с Ренуаром и Моне или Сезанном и Писсарро. Большинство художников также меняли свой собственный стиль на протяжении своей карьеры. Писсарро увлекся пуантилизмом (см. ниже), Дега заинтересовался альтернативными перспективами, Кайботт на некоторое время отказался от своих плавных мазков, а работы Сезанна с возрастом становились все более абстрактными, а его формы — геометрическими. Моне, безусловно, стал самым известным импрессионистом при своей жизни, но Сезанн однажды заметил, что Писсарро был «первым импрессионистом» (Шикес, 78). Таким образом, трудно сказать, кто положил начало стилю импрессионизма, поскольку на самом деле он развивался в работах нескольких художников одновременно. Кроме того, были, конечно, художники за пределами Франции, которые аналогичным образом экспериментировали с новыми подходами к искусству.
Импрессионисты
То, что мы сейчас называем первыми импрессионистами, было группой художников-авангардистов-единомышленников, которые часто посещали одни и те же кафе и рестораны в Париже. Новые участники, в том числе художники не из Франции, приходили по дружбе, и со временем группа росла. Многие художники также переезжали в поисках нового вдохновения в такие места, как юг Франции или Бретань. В группу входили две женщины-художницы, Берта Моризо (1841-1895) и Мэри Кассат (1844-1926), в период, когда такой выбор профессии был весьма нетрадиционным.
Большинство импрессионистов изучали искусство в обычных школах под руководством уважаемых художников, но они отступили от правил, которых им предписывали придерживаться их наставники. Преисполненные решимости продемонстрировать свои новаторские работы за пределами единственного центра изобразительного искусства — консервативного парижского салона, они организовали парижские выставки импрессионистов в 1874-86 годах. Эти выставки вызвали раздражение у многих искусствоведов и не принесли больших продаж, но, по крайней мере, импрессионисты были замечены. Некоторые художники, такие как Дега и Кайботт, имели независимый доход, но другие, такие как Моне и Ренуар, были вынуждены зарабатывать деньги своим искусством или буквально не иметь еды (или писать натюрморты). К счастью, более состоятельные художники часто помогали более бедным, покупая их картины и даже иногда платя за аренду. Было также небольшое число коллекционеров, таких как Виктор Шоке (1821-1891) и доктор Поль Гаше (1828-1909), которым хватило прозорливости увидеть, что эти работы имеют огромную культурную ценность, если не прямо сейчас, то, по крайней мере, в какой-то момент в будущем. И насколько они были правы. Одна из величайших ироний искусства импрессионистов заключается в том, что картины, которые сегодня продаются за десятки миллионов долларов, часто создавались художниками, которые не могли позволить себе даже краски и холст для воплощения своих замыслов.
Неоимпрессионисты
Точно так же, как импрессионисты бросили вызов условностям традиционного искусства, появилось молодое поколение художников, которое бросило вызов условностям импрессионизма. Во-первых, такие художники, как Жорж Сера (1859-1891) и Поль Синьяк (1863-1935), развили пуантилизм, где краска наносилась мелкими точками и в соответствии с научными теориями цветовых спектров и световых эффектов. Затем, с середины 1880-х годов, такие художники, как Винсент ван Гог (1853-90) и Поль Гоген (1848-1903), стали еще более смелыми в использовании красок. Они намеренно использовали контрастные, но дополняющие друг друга цвета (например, синий и желтый или красный и зеленый) и смелые черные контуры для создания драматического эффекта. Они использовали «неправильные» цвета в «неправильных» местах, намеренно показывая зрителю то, чего он не мог видеть в реальности (например, киноварное небо или зеленую кожу). Другой особенностью неоимпрессионистов было использование символов в их работах, чтобы вызвать эмоциональную реакцию зрителя. Картины становились все более сложными с точки зрения того, как их можно было интерпретировать и понимать. В 20 веке эта идея была расширена еще больше такими художниками, как Анри Матисс (1869-1954) и Пабло Пикассо (1881-1973), так что искусство стало не просто вопросом сгибания или нарушения устоявшихся условностей, но и полного отказа от них.
https://worldhistory.org/Impressionism/
Загрузка...
